장 오귀스트 도미니크 앵그르(Jean-Auguste-Dominique Ingres, 1780~1867)

 

장 오귀스트 도미니크 앵그르, 완벽한 선으로 아름다움을 다시 만든 화가

등이 지나치게 길고 허리와 골반의 비례도 어딘가 현실과 다르다. 그런데 이상하게도 화면 전체는 우아하고 완벽하게 느껴진다.

장 오귀스트 도미니크 앵그르(Jean-Auguste-Dominique Ingres, 1780~1867)는 정확한 묘사보다 자신이 생각한 ‘이상적인 아름다움’을 위해 실제 인체의 비례까지 과감하게 바꾼 프랑스 화가다. 일반적으로 신고전주의의 대표 인물로 분류되지만, 그의 독특한 인체 표현과 매끄러운 화면은 훗날 드가와 피카소, 마티스 등 현대미술가들에게도 영향을 주었다.

아버지에게 배운 그림, 다비드의 화실로 이어지다

앵그르는 1780년 프랑스 남부 몽토방에서 태어났다.

화가이자 장식미술가였던 아버지에게 일찍부터 미술을 배웠고, 툴루즈에서 본격적으로 그림을 공부했다. 1797년 파리로 옮긴 뒤 당시 프랑스 미술계를 이끌던 자크 루이 다비드의 아틀리에에 들어갔다.

1801년에는 권위 있는 로마상을 수상했다. 고대 그리스·로마 미술과 르네상스의 라파엘로를 깊이 연구하며 선과 형태를 중시하는 자신의 회화관을 만들어갔다.

앵그르에게 색보다 중요했던 ‘선’

앵그르의 그림을 이해하는 가장 중요한 열쇠는 선이다.

그는 인물의 윤곽을 명확하게 잡고, 붓 자국이 거의 느껴지지 않을 정도로 표면을 매끄럽게 다듬었다. 색채와 감정의 폭발을 중요하게 여겼던 낭만주의 화가 들라크루아와는 상당히 다른 방향이었다.

그래서 19세기 프랑스 미술에서는 흔히 앵그르의 ‘선’과 들라크루아의 ‘색채’를 대비해 설명하기도 한다. 하지만 앵그르 역시 단순히 고전적인 규칙만 지켰던 화가는 아니었다.

저도 앵그르의 작품을 볼 때 처음에는 정교한 피부와 의상 표현에 먼저 눈이 가는데, 오래 보다 보면 사람의 몸이 실제보다 미묘하게 변형돼 있다는 사실이 더 흥미롭게 느껴진다.

《그랑드 오달리스크》, 틀린 인체가 아름다운 이유

1814년 제작된 **《그랑드 오달리스크》**는 앵그르의 독특한 미학을 가장 잘 보여주는 작품 가운데 하나다.

등을 돌린 채 누워 있는 여성의 몸은 현실적인 해부학과 상당히 다르다. 등은 유난히 길고 팔과 골반의 비례도 자연스럽지 않다.

중요한 것은 앵그르가 인체를 제대로 그리지 못해서 이런 결과가 나온 것이 아니라는 점이다. 그는 현실의 정확한 비례보다 화면 전체를 흐르는 부드러운 곡선과 우아한 실루엣을 더 중요하게 생각했다.

즉, 사실을 그대로 복제하기보다 자신이 생각한 아름다움에 맞춰 현실을 수정한 것이다.

초상화에서는 옷과 손까지 인물을 말한다

앵그르는 뛰어난 초상화가이기도 했다.

《무아테시에 부인》과 《베르탱 씨의 초상》 같은 작품을 보면 얼굴뿐 아니라 손의 위치와 의상의 질감, 가구와 장식품까지 매우 치밀하게 표현돼 있다. 워싱턴 내셔널갤러리가 소장한 《무아테시에 부인》 역시 앵그르의 대표적인 초상화 가운데 하나다.

그의 초상화에서 옷은 단순한 장식이 아니다. 인물의 사회적 지위와 성격, 생활방식을 보여주는 장치가 된다.

특히 손을 자세히 살펴보면 재미있다. 손가락이 실제보다 길어지거나 형태가 조금씩 변형되면서 얼굴 못지않게 인물의 분위기를 만들어낸다.

실제로 가보지 않은 동방을 상상하다

앵그르는 오달리스크와 하렘을 소재로 한 작품도 여러 점 남겼다.

그런데 흥미롭게도 그는 이른바 ‘동방’을 직접 여행한 경험이 없었다. 당시 유럽에서 유통되던 문학과 이미지, 여행 기록 등을 바탕으로 상상 속 공간을 구성했다.

오늘날에는 이러한 작품을 아름다운 누드화로만 보지 않고 19세기 유럽의 오리엔탈리즘이라는 관점에서도 함께 바라본다. 서구가 동양을 신비롭고 관능적인 공간으로 상상했던 시선이 작품에 반영됐기 때문이다.

《터키탕》, 평생의 관심이 모인 후기 걸작

말년의 대표작 **《터키탕》**에서는 앵그르가 오랫동안 탐구했던 여성의 신체와 곡선, 동방에 대한 상상이 한 화면에 모인다.

원형 화면 안에 수많은 여성들이 서로 다른 자세로 배치돼 있다. 서로 독립된 인물처럼 보이면서도 팔과 등, 허리와 다리의 곡선이 연결되면서 화면 전체에 리듬을 만든다. 작품은 현재 루브르박물관에 소장돼 있다.

여러분은 그림에서 실제와 똑같이 표현하는 것이 더 중요하다고 생각하는가, 아니면 더 아름다운 형태를 만들어내는 것이 중요하다고 생각하는가. 앵그르는 평생 후자에 가까운 길을 선택했다.

고전주의 화가가 현대미술에 남긴 것

앵그르는 고대와 르네상스의 전통을 존중했기 때문에 언뜻 보수적인 화가처럼 느껴질 수 있다.

하지만 그의 작품을 자세히 보면 몸을 길게 늘리고 형태를 단순화하며 현실을 자신의 미적 기준에 맞게 변형했다. 바로 이런 점 때문에 후대의 화가들은 앵그르를 단순한 신고전주의 화가가 아니라 현대적인 조형감각을 보여준 선구자로 다시 바라보게 됐다. 루브르 역시 그의 작품이 드가, 고갱, 피카소, 마티스, 프랜시스 베이컨 등 여러 현대 작가에게 영향을 미쳤다고 설명한다.

앵그르에게 그림은 현실을 그대로 옮기는 기술이 아니라 현실에서 가장 아름다운 선을 골라 다시 만드는 일이었다.

그의 작품이 두 세기가 지난 지금도 낯설면서 세련돼 보이는 이유 역시 완벽한 사실성보다 자신만의 미적 질서를 선택했기 때문일 것이다.

장 오귀스트 도미니크 앵그르 작가 프로필

본명: Jean-Auguste-Dominique Ingres
출생: 1780년 8월 29일, 프랑스 몽토방
사망: 1867년 1월 14일, 프랑스 파리
분야: 회화, 드로잉
미술사적 흐름: 신고전주의
주요 관심: 역사화, 초상화, 누드, 오리엔탈리즘
대표 작품: 《그랑드 오달리스크》, 《터키탕》, 《호메로스의 예찬》, 《무아테시에 부인》, 《베르탱 씨의 초상》

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