클로드 모네(Claude Monet, 1840~1926)

 

클로드 모네, 빛의 순간을 붙잡아 인상주의를 완성한 화가

안개 낀 항구 위로 붉은 태양이 떠오르고, 물 위에는 주황빛이 짧게 번진다. 세밀하게 그린 배도, 정확한 건물의 윤곽도 없다. 대신 그 순간 눈앞에 스쳐 지나간 빛과 공기의 느낌이 화면에 남아 있다.

클로드 모네(Claude Monet, 1840~1926)는 이러한 순간의 인상을 평생 탐구한 프랑스 화가다. 인상주의를 대표하는 인물일 뿐 아니라 같은 풍경을 시간과 계절을 달리해 반복해서 그리면서 회화가 빛을 어떻게 표현할 수 있는지 끝까지 실험했다.

르아브르에서 만난 외젠 부댕

모네는 1840년 파리에서 태어났지만 노르망디 해안 도시 르아브르에서 성장했다.

10대에는 인물의 특징을 과장한 캐리커처를 그리며 지역에서 이름을 알렸다. 그러던 중 풍경화가 외젠 부댕(Eugène Boudin)을 만나 야외에서 자연을 직접 바라보며 그림을 그리는 방법을 배우게 된다. 이 경험은 이후 모네의 화가 인생을 결정하는 중요한 계기가 됐다.

1859년 파리로 향한 모네는 샤를 글레르의 화실에서 르누아르, 시슬레, 바지유 등을 만나게 된다. 이들은 훗날 인상주의의 중요한 화가로 성장한다.

화실보다 밖으로 나간 화가

당시 미술 교육에서는 작업실 안에서 역사와 신화, 종교적 소재를 정교하게 그리는 방식이 중요하게 여겨졌다.

하지만 모네는 자연 앞에서 직접 그림을 그리는 플레네르(plein air), 즉 야외 제작을 적극적으로 선택했다.

야외에서는 상황이 계속 달라진다. 구름이 움직이고 햇빛의 방향이 달라지며 물 위의 색도 몇 분 사이 변한다. 그래서 모네에게 중요한 것은 사물을 정확히 묘사하는 일이 아니라 지금 눈앞에 보이는 색과 빛을 빠르게 붙잡는 것이었다.

저도 모네의 그림을 볼 때 나무나 건물의 형태보다 먼저 화면 전체의 ‘시간’을 보게 된다. 아침인지 저녁인지, 비가 올 것 같은지 맑은 날인지가 색을 통해 먼저 느껴지는 점이 흥미롭다.

《인상, 해돋이》에서 ‘인상주의’가 태어나다

1874년 모네와 르누아르, 드가, 피사로 등 젊은 화가들은 공식 살롱에서 벗어나 독립적인 전시를 열었다.

이 전시에 모네가 출품한 작품 가운데 하나가 《인상, 해돋이(Impression, soleil levant)》였다. 르아브르 항구의 아침 풍경을 빠른 붓질로 표현한 그림이다.

당시 비평가들은 완성된 그림이라기보다 순간적인 ‘인상’만 그렸다고 조롱했고, 여기에서 ‘인상주의’라는 명칭이 시작됐다. 하지만 결국 그 이름은 19세기 미술사의 거대한 변화를 상징하게 됐다.

같은 풍경을 반복해서 그린 이유

모네의 작품에서 가장 중요한 특징 가운데 하나는 연작이다.

《건초더미》, 《포플러》, 《루앙 대성당》처럼 같은 대상을 여러 번 반복해 그렸다.

그러나 실제로 그가 그리고 싶었던 것은 건초더미나 성당 자체가 아니었다. 아침과 오후, 흐린 날과 맑은 날, 겨울과 여름에 따라 대상의 색이 어떻게 달라지는지를 관찰했다.

같은 성당의 벽도 햇빛이 강하면 노란빛을 띠고, 흐린 날에는 회색과 푸른색으로 보인다. 모네에게 사물에는 절대적인 색이 존재하지 않았던 셈이다.

여러분은 같은 장소를 아침과 저녁에 비교해본 적이 있는가. 장소는 그대로인데 전혀 다른 풍경처럼 보일 때가 있다. 모네가 평생 붙잡으려 했던 것도 바로 그 변화였다.

지베르니, 정원 자체를 작품으로 만들다

1883년 모네는 파리에서 약 80km 떨어진 지베르니(Giverny)에 정착했다.

그는 이곳에서 1926년 세상을 떠날 때까지 43년을 살았다. 꽃과 식물을 직접 배치하며 정원을 조성했고, 1890년대에는 연못과 일본식 다리가 있는 물의 정원을 만들었다.

흥미로운 점은 모네가 단순히 아름다운 정원을 발견해서 그린 것이 아니라는 사실이다.

먼저 자신의 미적 감각으로 정원을 만들고, 다시 그 정원을 그림으로 옮겼다.

정원 자체가 하나의 거대한 예술작품이었던 셈이다.

《수련》, 풍경에서 추상으로 가까워지다

말년의 모네는 지베르니 연못의 수련에 집중한다.

후기 작품으로 갈수록 수평선은 사라지고 연못의 물과 수련, 하늘의 반사만 화면을 채운다. 어디가 하늘이고 어디가 물인지 경계도 점점 모호해진다.

오랑주리미술관의 대형 《수련》 연작에서는 관람객의 시야 전체를 감싸는 거대한 화면으로 이러한 세계를 경험할 수 있다.

그래서 말년의 모네 작품에서는 풍경화이면서 동시에 추상회화에 가까운 느낌까지 발견된다. 형태보다 색과 붓질, 화면 자체의 리듬이 더 중요해지기 때문이다.

시력이 나빠져도 그림을 멈추지 않았다

말년의 모네는 백내장으로 시력에 어려움을 겪었다.

색을 인식하는 방식도 달라지면서 후기 작품에는 이전보다 붉고 갈색에 가까운 색이 강하게 나타나기도 한다. 하지만 그는 계속 수련과 정원을 그렸다.

1920년대까지 작업을 이어갔으며, 후기의 대형 수련 작품은 초기 인상주의와 또 다른 실험성을 보여준다. 내셔널갤러리 역시 그의 말년 작품이 젊은 시절 못지않게 혁신적이었다고 평가한다.

모네가 현대미술에 남긴 것

클로드 모네가 미술을 바꾼 핵심은 대상을 특별하게 선택한 데 있지 않다.

건초더미와 성당, 강물과 정원처럼 평범한 대상도 빛이 달라지면 전혀 다른 그림이 될 수 있다는 사실을 보여줬다.

그에게 회화는 사물의 고정된 모습을 기록하는 도구가 아니라 한순간 인간의 눈이 경험한 세계를 붙잡는 방법이었다.

모네가 평생 그린 것은 수련도, 성당도, 건초더미도 아니다. 어쩌면 눈앞에서 끊임없이 변하고 사라지는 빛 그 자체였을지도 모른다.

그렇기에 그의 작품은 100년이 지난 지금도 우리가 세상을 어떻게 바라보고 있는지 다시 생각하게 만든다.

클로드 모네 작가 프로필

본명: Oscar-Claude Monet
출생: 1840년 11월 14일, 프랑스 파리
사망: 1926년 12월 5일, 프랑스 지베르니
분야: 회화
미술사적 흐름: 인상주의
주요 소재: 풍경, 빛, 물, 정원, 도시 풍경
대표 작품: 《인상, 해돋이》, 《양산을 든 여인》, 《건초더미》 연작, 《루앙 대성당》 연작, 《수련》 연작

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